David Cronenberg demuestra otra de vez, después de la sobresaliente “Una Historia de Violencia”, que sus virtudes van más allá del género fantástico y que todo lo que quiere hacer lo hace fantásticamente bien.
Promesas del Este recupera el género del cine negro para contarnos una historia íntima, cruda y sencilla. Una enfermera, interpretada por Naomi "Kong" Watts, de la planta de partos en un hospital londinense ayuda a dar a luz a una niña cuya madre muere durante la operación. Lo único que acompaña a la madre indocumentada es un pequeño diario escrito en ruso. Las pesquisas para traducir el diario para que la enfermera pueda llevar a la niña con su familia la llevan a relacionarse con la mafia rusa: un caudillo, su hijo y el chofer de éste que parece ser más de lo que aparenta.
La película es prácticamente un puzzle, un puzzle que hay que construir a ciegas y que hasta el último momento no sabes si las piezas encajan y que tipo de fotografía podrá verse al final. De hecho, Promesas del Este empieza con un asesinato y no es hasta que ha avanzado mucho el metraje que esa muerte cobra sentido. La trama de la enfermera tampoco tiene mucho sentido hasta el final, siendo lo más interesante el oscuro personaje interpretado por Viggo Mortensen, Nikolai. Este actor crea un personaje lleno de matices y, gracias al elaborado guión de la película, no sabemos ni al terminarla si el chico es de los buenos, de los malos… o de los peores.
Y es que la mayor virtud de esta película es la insinuación. Muestra lo suficiente para que puedas hacerte una idea, pero en realidad no puedes estar seguro de nada… ni siquiera de que el diario sea real. Estaba pensando yo en el personaje de Kirill, interpretado por Vincent Cassel. En algunos momentos de la película es acusado de ser homosexual, y en realidad la película no deja claro si lo es o no lo es… de hecho podría serlo, y eso no importaría en la trama, en realidad, por tanto Cronenberg no se molesta en desmentirlo, quedando el personaje desdibujado, como esas manchas psiquiátricas en las que es más importante lo que el paciente cree ver.
Otra insinuación es el ya comentado personaje de Viggo. Tiene momentos que lo humanizan y lo alejan de los supuestos villanos de la película, pero en realidad, al final de la misma, parece que lo único que pretendía era quedarse con todo el entramado criminal de la mafia rusa en Londres.
Todo es excelente, cuando más pienso y escribo sobre ella más matices maravillosos le encuentro. En un momento de la película la protagonista no puede arrancar su moto, Nikolai intenta ayudarla, pero no lo consiguen y ella tiene que ir en transporte público. Más tarde aparece el personaje de Viggo poniendo una goma en su sitio y posteriormente se la devuelve a su dueña. ¿Quitó esa goma el mismo Nikolai para poder reencontrarse con ella? Puede que si, puede que no… como esas manchas psiquiátricas en las que es más importante lo que el paciente cree ver.
Por lo que la película será realmente recordada es por una pelea en los baños entre unos mafiosos y Nikolai. Es una de las mejores y más brutales peleas que he visto en cine y es mérito tanto del equipo como del propio Viggo que aceptó hacerla totalmente desnudo y eso aporta credibilidad, fuerza y fiereza a la escena. Así que sólo puedo decir una cosa al respecto “olé tus cojones, Viggo”, ya que dudo que muchos otros actores se hubieran atrevido.
Una estupenda película para ver una y otra vez y descubrir nuevos matices escondidos tras la sombra de una nueva historia de violencia.
La Huella es una de las peores películas que he visto.
A quien me diga que para entederla tengo que ver la primera película, y es que esta es un remake, yo le diré que si se parece a esta no entiendo como es posible que alguien haya hecho un remake. Supongo que tiene que ver con el hecho que a Jude Law se le metiera entre ceja y ceja hacer un remake en un ataque de pedantería digno de estudio.
Si algo es La Huella, eso es lo que es, pedante. Al máximo. Sólo hace falta ver quien la dirige: Kenneth Branagh, conocido como uno de los mayores narcisistas de este arte. La dirección es un decálogo de "chorrazos" al más puro estilo chupapollista: primerísimos primeros planos a los ojos, escenas que el espectador ve desde un monitor que graba la escena (repetido hasta la saciedad), planos a trasluz, detrás de botellas o sombreados por cortinas... una colección kitsch de lo más caduca y manida que pueda existir.
El argumento, si tiene, no se entiende, se pierde en el espacio-tiempo y es incapaz de enganchar al espectador. Los diálogos son, como poco, totalmente absurdos y convierten a Jude Law en un istriónico y a Michael Caine en un presentador de televisión. Todo tiene más pinta de obra teatral de arte y ensayo que de película, y aún así no pasaría el corte mínimo... el de contar una historia, y algo todavía más importante: que la historia se entienda.
Es indignante que un espectador tenga que sufrir bazofias de este calibre, aunque estoy seguro que una legión de gafipastis la adorarán por su "yoquesé" y su "queseyo", por lo mismo que a Jude Law le gustó, que ya puestos se la podría haber editado para él y ponersela en su casa.
Una mierda infumable, sólo apta para venganzas... por si alguien te recomendó La Fuente de la Vida.
La tercera parte de la saga reetoma lo bueno de la primera película y deja atrás lo malo de la segunda... para suerte de todos.
Ocean's 13 vuelve a ser una película coral, donde realmente trece personajes tienen peso específico en el argumento, aunque algunos sean más protagonistas que otros... eso es inevitable.
Los chicos de la primera "aparcan" a sus mujeres y cabalgan de nuevo, juntos, para vengar a su amigo mecenas después que un despiadado Al Pacino le robe un proyecto que, en principio, debían resolver juntos. Las cábalas, los juegos malabares, las vueltas de tuerca, todo vuelve a estar al servicio del buen gusto y el glamour y los personajes dejan ese punto de autoparodia que adquirieron en la segunda parte, sin perder un ápice sus propios matices que tanto gustaron en la primera.
De hecho, si algo malo hay que buscarle a la película es el pobre testimonio que dejan los "villanos" en esta. Decepcionante es el papel de Al Pacino, y totalmente secundario y futil es el de Ellen Barkin como segunda de a bordo. Es una pena, sobretodo viendo el curriculum de ambos actores. Al Pacino no está a la altura en ningún momento, no da pizca de miedo y no resuelve ninguna escena con la genialidad que nos ha mostrado en tantas otras películas (el demonio de El Abogado del Diablo me ponía los pelos de punta cada vez que salía en pantalla).
Por suerte, todo lo demás está intacto. El humor, la banda sonora, la verborrea absurda y el look más elitista.
Una película fresca, sin mayor pretensión que la de divertir y pasarlo bien... como seguro se lo pasaron George Clooney, Brad Pitt y compañía.
Una maravillosa película basada en The Twilight Zone, llamada En los Límites de la Realidad (1983), tenía un capítulo que se desarrollaba en una residencia de ancianos. En ella, los ancianos podían volver a ser jóvenes, niños de hecho, mientras jugaban, sin darse cuenta; de repente su viejas ropas colgaban de sus menudos brazos y trastabillaban porqué sus perneras les hacían la zancadilla.
Así me sentí yo cuando terminó Stardust, un niño otra vez y mis ropas eran anchas, enormes, casi tanto como mi corazón. Esto no me pasa con muchas películas (recuerdo El Viaje de Chihiro, como último ejemplo), pero cuando me pasa me siento bien, muy bien.
Stardust es una película para niños, eso sí, pero por fortuna, a ninguno de los responsables de la película se les ocurrió pensar que los niños son gilipollas por antonomasia, si no que son un público serio que quiere pasarlo bien y sentir emociones, más allá de comprarse todos los muñequitos de la película. Con ese planteamiento, Matthew Vaughn crea una historia en un mundo de fantasía que tarda en arrancar, pero una vez desbocada es como un caballo de carreras.
Pero hagamos una parada... Matthew Vaughn he dicho? pues sí, el heraldo de Guy Ritchie y creador de la genial y ya comentada Layer Cake es capaz de crear una historia emocionante, romántica, comediante, simplona y bellísima película infantil, al más puro estilo de La Princesa Prometida alejándose totalmente de los callejones londinenses y de los diálogos soeces... una maravilla.
La película nos transporta a un mundo infinito de fantasía cercado, sin embargo, por un muro que limita con nuestro mundo. Tristan, el protagonista, entrará en este mágico mundo para llevarle una estrella fugaz caida a, su no correspondiente, amada, a modo de contrato prematrimonial. La historia trata todo aquello que a un niño le atañe: la madurez, el amor, la felicidad, la familia, los amigos... y por tanto la película va tomando rumbos totalmente predecibles, pero no por ello menos maravillosos.
Otra cosa genial de Stardust es su simpleza argumental. Los buenos, los malos, el mundo... todo es genialmente sencillo y fácil de entender... nada de tediosas historias al estilo Harry Potter o mundos enrevesados al estilo Las Crónicas de Narnia, o líneas argumentales paralelas al estilo de El Señor de los Anillos. Por suerte tampoco hay "elegidos", ni batallas masivas, ni millones de bichos que ya tienen pintadas las juntas articuladas para posteriormente ser vendidos en el Toys'r'Us. la película es pura, fresa y sobretodo sincera y honrada.
Mención especial tienen el grupo coral de actores secundarios que tienen un peso específico sobretodo por su gran talento. Tanto la guapísima Michelle Pfeiffer como, sobretodo, el grandísimo Robert DeNiro tienen unos papeles geniales, sobretodo este último que tras su aparición la película se revoluciona y lo que en un principio parecía un producto típico y aburrido se convierte en una montaña rusa de emociones y sensaciones.
Nada malo tiene para mi esta película, que me hizo sentir bien... muy bien.
No empezaré haciendo el chiste sobre lo que está huérfano en El Orfanato. Por cierto, porqué orfanato va sin hache y huérfano, sin embargo, va con hache? Cosas de la lengua, supongo.
Cuando veo una película suelo tener en cuenta a quien va dirigida y en que género se basa. Si es de humor y no me hace reír, mal vamos. Si es para adultos y parece para niños, mal vamos. El Orfanato es una película de miedo y, efectivamente, causa miedo.
Más allá de los típicos sustos, cuyo máximo culpable en realidad es la banda sonora o los efectos de sonido, existen recursos narrativos en la película muy interesantes que crean una atmósfera opresiva al espectador que ansía pasarlo mal. Sin embargo, estos momentos no llegan hasta el final, hasta los últimos geniales veinte minutos.
Hasta esos, como he dicho, geniales veinte minutos, nos tenemos que tragar hora y media de tópicos de toda índole y de escenas altamente aburridas, sólo cortadas por algún que otro susto, que no miedo, que serán recordados por su alta efectividad (como es el caso de EL SUSTO de la película… sí, ese, el de la vieja). Pero, como diría Hannibal Lecter, vayamos por partes.
El Orfanato, es la historia de una mujer casada con un hijo adoptado que decide regresar a su antiguo centro de adopción, comprarlo y convertirlo en un centro para niños con problemas psicológicos. Durante los primeros días en la casa, el niño empieza a tener relación con amigos imaginarios, pero como por lo visto no es nuevo en la materia, no le prestan la mayor atención… el niño tiene una colección de amigos imaginarios, más digna de un enfermo mental que de un niño normal y corriente.
Sin embargo, todo se trunca cuando el niño desaparece, aparentemente ahogado en el océano. Sus padres lo buscan desesperadamente al no hallar el cuerpo y la madre poco a poco empieza a relacionar la desaparición con los amigos imaginarios de la casa.
La has visto ya? Es posible, pero con otro título… y no es del todo igual, pero se parece, a que sí?
Y es que El Orfanato es una gran idea. Su núcleo central es original, sobrecogedor, sorprendente; pero a la hora de vestirlo, como si fuera la frase hecha de “aunque la mona se vista de seda” pero al revés, lo convierten en un artículo usado, poco original y raras veces sorprendente… hasta el final.
Sobre la historia, lo más trillado es que la protagonista sea una amante madre. Entiendo el vínculo emocional que existe entre una madre y su hijo, y sé que es efectivo. Centenares de películas nos lo han demostrado, pero las bastante recientes The Darkness, Silent Hill o la más que evidente Los Otros, le restan puntos y le quitan credibilidad a El Orfanato.
Sin embargo, da miedo, hasta ahí nada que decir, claro está. Pero es una película que no hará historia, sobretodo, por parecerse a tantas otras historias. Ahora bien, lo he dicho una y otra vez, da miedo y esto, con la colección de películas de supuesto terror que nos hemos tenido que tragar, es algo a tener en cuenta y a agradecer.
No quiero despedirme sin lamentar profundamente el final finalísimo de la película. Es una pena que esos veinte minutos finales se destruyan para explicar un final que se entendía perfectamente, al menos a este lado del charco, pero claro, como al público americano hay que dárselo todo mascado… ahí va la explicación final, lamentable, una pena.
Si te apetecía pollo asado con patatas para que te metes en un Telepizza? Eso es lo que le diría yo a todo aquel que Hostel II no le dé miedo, si no asco.
Hostel II es eso, casquería pura y dura. No es una película de terror, es un nuevo capítulo de esta hornada de películas de “sangre e hígado” (jejeje, queda mejor en catalán), como la saga Saw o las tremendas Las Colinas tienen Ojos. Sin embargo, Hostel y Hostel II, son las hermanas menores y castas de esta colección. Si, hay mucha sangre y también, hay mucha mala leche, pero las escenas no son comparables, ni mínimamente, a la efectividad de las antes comentadas.
Sin embargo, una cosa si le tengo que agradecer a Hostel II, y es que me tiró por tierra todos y cada uno de los supuestos que iba generando al ver la película, por lo tanto debo pensar que es fresca y original.
Nada más sobre Hostel II y es que tampoco hay mucho más que decir tanto de la película como del género en si… aunque en breve comentaré Saw IV y esa saga si que me parece digna de una mención especial y un podio propio en el genero.
Por fin, cuando parecía que este año no podría ver una película en el festival de Sitges, pude ver una, aunque poco tenía de terrorífico o fantástico.
Samuel L. Jackson encarna un expolicia que ahora trabaja en su propio negocio de limpieza. Se encarga de limpiar, por lo general, escenas de crímenes y es a partir de uno de estos encargos en los que la trama se desenvuelve.
Al sabueso olfato de Jackson le empieza a picar la curiosidad cuando, tras la limpieza de un posible homicidio, la mujer de la casa donde se ha realizado el trabajo (Eva Mendes) denuncia la desaparición de su marido, sin saber que en su propio hogar se ha cometido un asesinato. Jackson recurre a un excompañero (Ed Harris) para que le ayude en sus pesquisas, y poco a poco el pasado de los personajes se desgrana y se retuerce con el presente de la investigación policial.
Si hablamos de Samuel L. Jackson y de Ed Harris podemos hablar de interpretaciones portentosas, desde luego lo son. Cleaner, además, posee un montaje soberbio, muy absorvente sobretodo la primera media hora de metraje. También son muy interesantes los diálogos de la película que, ante todo, parecen veraces: nada de frases para la posteridad, ni grandilocuentes diálogos indignos de unos simples policias.
Sin embargo, Cleaner es un globo. Como he dicho la primera media hora es genial. El montaje aporta una fuerza enorme, los personajes se van presentando y tanto sus interpretaciones como el propio trasfondo de cada uno de ellos crean unos cimientos que hacen que te acomodes en el asiento. La trama, poco a poco, te sumerge en lo mejor del thriller y empiezas a cabilar quien puede ser el asesino, quien el topo, como afectará eso a los protagonistas, quien morirá...
pero justo cuando crees que estás viendo un L.A. Confidential de nuestros días, la realidad te golpea en la cara y descubres que todo ha sido un sueño y que no estás viendo más que un simple culebrón televisivo de sábado por la tarde en Antena3. De todas formas, buscando la película en Cleaner me he fijado que el reparto es altamente extenso, mucho más extenso que en la misma película, además Cleaner aún no ha sido estrenada oficialmente y podría ser sometida a cambios de última hora, lo cual me hace pensar que igual la película que he visto en Sitges no es más que un primer montaje y que posiblemente el final que he visto se cambiará por otro más acorde con el resto de la trama.
Así pues, Cleaner es una película mal acabada un juguete del Todo a Cien envuelto en una caja de Dior. Aunque quien sabe, con un poco de suerte al final podremos acabar viviendo un auténtico thriller.
Promesas del Este recupera el género del cine negro para contarnos una historia íntima, cruda y sencilla. Una enfermera, interpretada por Naomi "Kong" Watts, de la planta de partos en un hospital londinense ayuda a dar a luz a una niña cuya madre muere durante la operación. Lo único que acompaña a la madre indocumentada es un pequeño diario escrito en ruso. Las pesquisas para traducir el diario para que la enfermera pueda llevar a la niña con su familia la llevan a relacionarse con la mafia rusa: un caudillo, su hijo y el chofer de éste que parece ser más de lo que aparenta.
